音乐是一个整体体现在什么关系中 音乐是一个整体整体体现在关系中

为什么说音乐是人类的灵魂？

人类究竟从什么时候开始有音乐，已经无法查考。但是早在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。

1、音乐对于人们心灵的陶冶起着潜移默化的作用

音乐是一个整体体现在什么关系中 音乐是一个整体整体体现在关系中

音乐是一个整体体现在什么关系中 音乐是一个整体整体体现在关系中

音乐是一个整体体现在什么关系中 音乐是一个整体整体体现在关系中

音乐是一个整体体现在什么关系中 音乐是一个整体整体体现在关系中

四、力度：音乐中音的强弱程度。

音乐如行云流水，像阳光般的温暖，空气般5、音色的清澈。人在悲伤的时候应该听悲伤的音乐，把悲痛的情节完全释放出来。不要企图在悲伤的时候听悲哀的音乐，那样会适得其反。

2、音乐对人们精神状态和心理的影响十分显著

在很伤心的时候听很嗨皮的歌可能会更伤心，但也能让人迅速走出阴霾。在心情很好时听以上提到的很多歌会让自己的心情迅速笼上阴云。

欣赏音乐的方法：

1、官能欣赏

这一层次的欣赏主要满足于悦耳动听，是比较肤浅的欣赏。处于这一层次的欣赏一般是出于对音乐所产生的音响所引起的兴趣去听音乐，在这个层次上听音乐，可以不需要深入的思考。在这样的欣赏中，音乐把可以把欣赏者带入了一个幻想的境界，而欣赏者却对音乐作品本身没有多少理解。

2、联想欣赏

在这个层次中，欣赏者对音乐的作品渗入了主观的分析和理解，欣赏者对音乐作品所表现的思想感情产生共鸣，音乐可以激发他的喜怒哀乐，可以使他根据自己的生活体验去想象和幻想，从而在音乐中获得优美的享受。欣赏者对音乐所表达的内容，努力地去感受和联想，逐步获得一定的理解。

3、理智欣赏

欣赏者不仅对音乐作品所体现出来的音乐形象有较深刻的理解，而且对于作品的主题思想、作品的形式和风格都有较丰富的认识。他可以从整体上了解音乐作品的结构和作品所要表达的丰富感情以及富有哲理性的思想内容。

音乐结构的心理学实质是什么与什么的结合?

3、音乐能改变一个人的情绪

音乐的组成

无论哪一位作曲家写下的乐谱，都与他们的乐思之间有着一定的距。而要使这种距得到弥补、使乐谱中潜藏的乐思得到发掘、使乐谱无法记录的东西得到丰富和补充，这一切都有赖于音乐表演者的再创造。所以，音乐也是表演的艺术，音乐作品只有通过表演这个途径才能为听众所接受。

节奏，音乐节奏是把一段无序的节拍流组合成不同的模式，对长短不同经常重复的不同部分的整合，音乐旋律进行中音阶、音符或者音节的长短和强弱等，音乐的节奏常被比喻为音乐的骨骼。

5、速度与形象进行对比的间奏

和声，在调性音乐中，和声同时具有功能性与色彩性的意义。和声的功能，是指各在调性内所具有的稳定或不稳定的作用、它们的运动与倾向特性、彼此之间的逻辑联系等。

音乐的要素有哪些?

段：在一定时间内完成。

关于音乐的要素，有多种说法，有说“三要素”，有说“六要素”，还有说“七要素”，本人偏向于“三要素”的观点。以下是从网上查询到的一些资料，和你共同探讨。

3、

音乐的构成要素

贝多芬有一句引人深思的名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花。”音乐究竟以哪些手段达到这样强烈的效果呢？归纳起来主要是音乐的语言、音乐的结构和音乐的谐和性。音乐的语言主要是指旋律，音乐的结构包括了节奏、曲式的因素，而音乐的谐和性主要是指和声。因此，人们常把“旋律”、“节奏”、“和声”作为音乐最主要的构成要素。音乐美学家们认为：“占首要地位的是没有枯竭、也永远不会枯竭的旋律，它是音乐美的基本形象；和声带来了千姿百态的变化，它不断提供新颖的基础；节奏使二者的结合生动活泼，这是音乐的命脉，为多样化的音色添上了色彩的魅力。”

作为“三要素”中最为重要的旋律，它有如下一些功能：旋律能模拟自然，如流水、鸟鸣等等。旋律也能反映生活，如它可以表现钟表店里的挂钟、闹钟、小钟和怀表，还能描绘钟表店里的工匠边吹口哨边开发条的场面。旋律还可以表达感情，这是旋律最擅长的功能。旋律同样可以塑造形象，这是对前三种功能的一种综合。

节奏是旋律的骨架。它是组织起来的音的长短关系。节奏的律动来自生活，如走路、游泳、打夯、锄地，人体中的脉搏、呼吸、心跳，运转的机器等等，生活的方方面面都包含着节奏的因素。虽然节奏有着纷繁的种类，但归纳起来不外乎长、短、长短结合三类。

和声是指音乐中同时发响而又相互谐和的不同高低的音相结合所构成的多声部。和声的运用，能够使主旋律具有立体感，如前所述，它可以不断提供音乐发展的新颖基础。

音乐被称作是“声音的美妙组合”。音乐主要由6个要素组成，即：节奏（Rhythm）、旋律（Melody）、结构（Texture）、曲式（Form）、音色（Tone Color）、调性（Tonality）。

1、节奏

节奏是音乐的一个方面，它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）。

当人们在听音乐音，会不由自主地拍打出的就是节奏，它表现了曲调的快慢缓急。节奏的一个要素是节拍（meter），它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音，但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。常见的表示节奏述语有：广板（Large）、非常缓慢庄严而缓慢的（Gre）、慢板（Lento）慢速、柔板（Adagio）、行板（Andante）、小行板（Andantino）、中板（Moderato）、小快板（Allegretto）、快板（Allegro）、很快的快板（Allgero molto）、轻快的（Vivace）、急板（Presto）、最急板（Prestissimo）。

节奏的运用对音乐的影响极大。

2、 旋律

旋律是由连续演奏的一些音符所造成的，旋律是音乐所要表达的意思同，它是人们想要听的东西。从技术上讲，人们可以创造出两个音符的旋律，我们可从二种不同种类鸟的叫声中可以听到两个单音。人们不用任何其他声音，也不用任何伴奏，就可以哼出、唱出、吹出这两个音来。旋律历来以一个特定的音为中心，这个直是起始点、核心点和结束点，一首曲子中的其他音都与它有联系

掌握某些音乐作品中的旋律较容易一些。与海顿的交响曲的古典旋律相比，舒曼的交响曲的1、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。浪漫旋律更加热情奔放，抒发个人感情。一首成功的作品不必采用很强的旋律，但是动听的、容易哼唱的旋律，总会给予普通的外行听众更多的欢乐。许多没有研究或分析过音乐的人，很容易被擅长旋律的作曲家的曲子所吸引。

3、结构

旋律是横向的，音符一个接着一个，而结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上“和声”，他需要一位朋友与他一起唱，或者需要一把吉他来弹拨，有了和声使乐曲具有深度，旋律是一连串乐音，而和声却是同时响起的乐音。

结构中的（chord）是指同时发出三个或三个以上的音，它在和声中扮演重要角色。不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系，而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。

在用旋律加构成的音乐作品中，往往是由“协和”（consonant）音，即听起来悦耳的、平和的、不人的、稳定的乐音所组成的。但是也可以用音级不断变化、确实刺耳的乐音——即“不协和的”、“活跃的”、“不平稳的”乐音所组成，这种不协和的被作曲家用来制造紧张状态，而协和的则被用来缓解这种紧张状态、从一个和音到另一个和音的前后律动，就是和声的全部内涵。

4、曲式

曲式被称之为作曲家选择的‘建筑”形式。音乐需要一定的结构，音乐的每一时期都体现了特定的音乐形式，反映出时代的特色、对音乐知识的理解、作曲家的技巧和所要达到的目的，以及听众的欣赏品味。

音乐的结构或模式可以是严谨的，也可以是自由的。作品采用严谨的曲式并不说明作曲家缺乏想象力或独创性，如巴赫、莫扎特和贝多芬的作品就是如此。问题不在于采用什么曲式，而在于赋予曲式什么内容。对于业余音乐爱好者来说，那些作品模式、结构或曲式不正规的音乐不但难以跟上思路，而且不容易理解，这个道理就同我们欣赏抽象派雕塑和无韵诗时的情形一样。

一些主要的曲式名称，如交响曲，因其仍在流行，所以人们一般都知道，但一些较古老的曲式人们则比较陌生。音乐界人士喜欢说，不论采用什么曲式，音乐作品结构的基本法则是重复和对比。

音乐演奏中所使用的每一件乐器都有自己的音色。例如，长笛的音色与大号就不相同，即使这两样乐器演奏完全一样的音符。例如一个管弦乐团中有几十件各不相同的乐器，它们就像美术家调色板上的色彩一样多，这些音色在配器法中起重大作用，配器就是为管弦乐团作曲的方法。

浪漫主义作曲家里姆斯基科萨科夫，他说：“配器是作品灵魂的一部分。一首为管弦乐团想出的作品，是离不开某些音色的”。音乐界人士有时喜欢把各种音质等同于特定色彩，如竖笛能发出一种类似柔和蓝调的声音，而小号发出的声音则像火红的色调......。

各种乐器有音色不同，其个性的表现则更这突出：

小提琴——表现所有情感

中提琴——表现浓浓的愁思

大提琴——表现所有情感，但比小提琴所表现的更加强烈

短笛——表现狂欢

双簧管——表现质朴的欢乐和悲怆

小号——表现大胆、勇武和骑兵渐近的声音

大号——表现力量和粗扩

英国管——表现朦胧的愁思

竖笛——在中音区表现流畅和温柔

浪漫主义时期的作曲家的作品则更注意音色，在讲述故事、描绘心境或的音乐上，充分利用现有的，或者有可能得到的乐器的不同声音的音色来表现。

6、调性

调性对于业余音乐爱好者来说较难理解。当我们拨动一根弦受到拨动时，它会发出固定领率的声音，发声时这根弦的每秒振动次数相等。钢琴的音每秒振动30次，音每秒振动40次。不论琴弦长短，经拨动后它所发出的声音和其一半或两倍长的琴弦发出的声音几乎一样，这两根或短或长的弦分别发出高于或低于根弦所发出的声音，但三根弦的音却是相同的。钢琴上的一个音，如C音，即能在键盘的高音部找到相同的高音己也能在低音都找到相同的低音C。数百年前，西方作曲家把一根弦的长度分成12段。虽然在小提琴上看不出来，但却能在钢琴上找到代表这个12个音的7个白键和5个黑键，这12个健代表了传统西方音乐使用的12个音。每个键，不论白键还是黑健，都与相邻的键相半音。

大家都知道，7个白键分别是由字母表上的前7个字母的名称命名的，从A到G。每个突起的黑键有两个键名。当它处于比白键高的位置时，称为升半音，反之称为降半音。因此，在键盘图上升C和降D是同一个黑键。这个键盘图还说明，钢琴上的五个白键，即A、C、D、F、G，它们的右侧都有一个升音的黑键，而其他两个，B和E，则没有。两个毗邻键之间的音仍是半个音高，不论它们是白白、白黑还是黑白相连怕永远不会出现黑黑相连的情况）。因此，A键（白键）和B键（白键）之间相一个全音，因为中间有一个黑键。而E键和F键，虽同为白键，但只相半音，因为中间没有黑键。一位钢琴家从白色的C健开始弹奏，并且只用7个白键，我们会听到熟悉的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶。由于他选择了C作为起点，并且只用这几个键弹奏一个曲调，加上，那么这首曲子就是“C大调”乐曲。C大调和其他调不同，仅包括白键，如果他仅弹奏白键，那他就是“完全忠于调性”，他没有“放弃”或“失去”调性。他的作品将以他选择的音阶的个音为中心，在本例中，就是C。这个C音是“主音”。“调性”反映了属于一个调的与和声的关系。

音乐基本要素：音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成 音乐的常用的“形式要素”，例如：节奏，曲调，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体等。构成音乐的形式要素，就是音乐的表现手段。

由低到高的顺序可分为：

1、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。

3、速度：音乐进行的快慢。

4、旋律：声音经过艺术构思而形成的有组织的、有节奏的和谐运动。旋律是乐曲的基础，乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。

5、和声：和声包括“”及“和声进行”。通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。以3度关系往上递进。

6、调性：一个音阶上产生出来的和声。音乐界中一共有24个大调（大调=调性）

7、曲式：音乐的横向组织结构。

注：以上材料非本人原创，均是由网上搜索而来，作者不详，谨此致歉。。

音乐到底是什么东西？

音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术（英文名称：music；法文名称： musique；意大利文：musica）。音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以分为古典音乐、流行音乐、民族音乐、乡村音乐、原生态音乐等。在艺术类型中，音乐是比较抽象的艺术，音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。东方以为首的古论基础是五声音阶，即宫、商、角、徵、羽，西方是以七声音阶为主。音乐让人赏心悦目，并为您带来听觉的享受。一般一首音乐时长在3分29秒左右，让人更加享受每首音乐的时间，可以陶冶情。

音乐[1] 是指有旋律、节奏或和声的人声或乐器音响等配合所构成的一种艺术。

古代音、乐有别。《礼记·乐记》：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也，感於物而动，故形於声。声相应，故生变，变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚、羽旄，谓之乐”。后浑称“音乐”，指用有组织的乐音表达人们的思想感情、反映生活的一种艺术。《三国志·吴志·周瑜传》：“ 瑜 少精意於音乐，虽三爵之后，其有阙误， 瑜 必知之，知之必顾”。《前汉书平话》卷下：“帝至 棘门 ，左翼将 徐迈 以音乐迎之，送帝至 霸陵桥 上”。 温承训 《动人的音乐》诗：“真的，音乐是人们感情的语言”。

音乐是用组织音构成的听觉意象，来表达人们的思想感情与现实生活的一种艺术形式。也是最能即时打动人的艺术形式之一。旋律响起人们往往无法抗拒的立即处于音乐的氛围当中。任何一种艺术形式都有自己表情达意、塑造艺术意象的表现形式。比如舞蹈是通过肢体动作、面部表情，绘画是通过线条、色彩、构图，文学是通过字、词、句、篇来体现艺术意象。通常，人们正是以表现手段的不同来区分艺术的不同种类，例如不同的乐器。音乐还能表现出歌手们的用心。

声音艺术

音乐以声音为表现手段的艺术形式，意象的塑造，以有组织的音为材料来完成的。

音乐

因此，如同文学是语言的艺术一样，音乐是声音的艺术。这是音乐艺术的基本特征之一。作为音乐艺术表现手段的声音，有与自然界的其他声音不同的一些特点。

任何一部音乐作品中所发出来的声音都是经过作曲家精心思考创作出来的，这些声音在自然界是可以找到，但是没有经过艺术家们别出心裁创作与组合，是不能成为音乐的。所以，无论是一首简单的歌曲，还是一部规模宏大的交响乐，都渗透着作者的创作思维与灵感。随便涂抹的线条和色彩不是绘画，任意堆砌的语言文字不是文学，同样，杂乱无章的声音也不是音乐。构成音乐意象的声音，是一种有组织有规律的和谐的音乐，包括旋律、节奏、调式、和声、复调、曲式等要素，总称为音乐语言。没有创造性的因素，任何声音都不可能变成为音乐。

语言具有一种约定性的语义，每一句话，甚至每一个字都具有特定的涵义。这种涵义在运用该语言的范围内是被公认的，是一种约定俗成；音乐的声音却完全不同，它仅仅限定在艺术的范围内，只作为一种艺术交往而存在；任何音乐中的声音，它本身绝不会有像语言那样十分确定的含意，它们是非语义性的。

听觉艺术

音乐既然是声音的艺术，那么，它只能诉诸于人们的听觉，所以，音乐又是一种听觉艺术。心理学的定向反射和探究反射原理告诉我们，一定距离内的各种外在中，声音最能引起人们的注意，它能够迫使人们的听觉器官去接受声音，这决定了听觉艺术较之视觉艺术更能直接地作用于人们的情感，震撼人们的心灵。

音乐只能用声音来表现，用听觉来感受，但这并不等于说人们在创作和欣赏音乐时，大脑皮层上只有与听觉相对应的部位是兴奋的，而其他部位都处于抑制状态之中。实际上，音乐家不止是通过听觉的渠道，而是用整个身心去感受和体验、认识和表现生活的，这同其他门类的艺术家并没有什么区别。不同的是在艺术构思和艺术表现的时候，音乐家是把个人的多方面的感受，通过形象思维凝聚为听觉意象，然后用具体的音响形式表现出来。

在所有的艺术形式中，音乐是最擅长于抒感、最能拨动人心弦的艺术形式，它借助声音这个媒介来真实地传达、表现和感受审美情感。音乐在传达和表现情感上，优于其他艺术形式，是因为它所采用的感性材料和审美形式——声音最合于情感的本性，最适宜表达情感。或庄严肃穆，或热烈兴奋，或悲痛激愤，或缠绵细腻，或如泣如诉。音乐可以更直接、更真实、更深刻地表达人的情感。那么，音乐为什么能够用有组织的声音来表达人的情感呢，一种理论认为，音乐的表情性来自于音乐对人的有表情性因素的语言的模仿。人的语言用语音、声调、语流、节奏、语速等表情手段配合语义来表情达意，而音乐的音色、音调起伏、节奏速度等表现手段能起到与语言的表情手段同样的作用。

个人认为，音乐的声音形态与人类情感之间存在着相似性，具有某种“同构关系”，这是音乐能表达人情感的根本原因。音乐理论家于润洋曾指出：“音响结构之所以能够表达特定的情感，其根本原因在于这二者之间存在着一个极其重要的相似点，那就是这二者都是在时间中展示和发展，在速度、力度、色调上具有丰富变化的、极富于动力性的过程。这个极其重要的相似点正是这二者之间能够沟通的桥梁。”比如“喜悦”，它是人高兴、欢乐的感情表现。一般来说，这种感情运动呈现出一种跳跃、向上的运动形态，其色调比较明朗，运动速度与频率较快。表现“喜悦”的感情的音乐，一般也采取类似的动态结构，如民乐曲《喜洋洋》，用较快的速度、跳荡的音调等表现手段表达了人们喜悦的情感。

时间艺术

雕塑、绘画等艺术形式凝固在空间，使人一目了然。我们欣赏美术作品，首先看到美术作品的整体，然后，才去品味它的细节。而音乐则不同，音乐要在时间里展开、在时间里流动。我们欣赏音乐，首先从细节开始，从局部开始，直到全曲奏（唱）完，才会给我们留下整体印象。只听音乐作品中的个别片断，不可能获得完整的音乐意象。所以，音乐艺术又是一种时间艺术。

作为听觉艺术的音乐意象是在时间中展开的，是随着时间的延续在运动中呈现、发展、结束的。所谓“音乐意象”，指的是整个音乐作品所表现出的艺术家的思想感情并在欣赏者的思想感情中所唤起的意象或意境。例如，《春江花月夜》用甜美、安适、恬静的曲调，表现了在江南月夜泛舟于景色如画的春江之上的感受，创造了令人神往的音乐意境。

音乐作品不像文学或绘画那样，只要作者创作完成，创作过程结束，就可以直接供人们欣赏了。音乐作品必须通过表演这个中间环节，才能把作品表达的意象传达给欣赏者，实现其艺术作品的审美价值。所以，音乐又是表演的艺术，是需要由表演进一步再创造的艺术。

当作曲家把生动的乐思以乐谱的形式记录下来的时候，就已经抽掉了它的灵魂，所剩下的不过是一个没有生命的乐音符号系列。而使音乐作品重新获得生命，把乐谱变成有血有肉的活的音乐的方式，就是音乐表演。如果没有音乐表演，音乐作品永远只能以乐谱的形式存在，而不会成为真正的音乐。

3基本分类编辑

一些音乐作品是通过人声表达的，这样的作品被称为声乐作品，有一些作品是用乐器演奏出来的，这样的音乐作品被称为器乐作品。世界上一切音乐作品都包括在“声乐”和“器乐”这两大类别里。

按表达方式

声乐

声乐作品又可根据其形式、风格的不同分成歌曲、说唱音乐、戏曲音乐、歌剧等不同体裁。歌曲是一种小型的音乐体裁，包括民歌、艺术歌曲、在近现代、当代的音乐生活中，人们记录音乐常用的两种记谱方式—五线谱与简谱，都不是的“土产”，而是从国外传进来的。通俗歌曲、儿童歌曲等。从形式上可分成独唱、对唱、合唱、齐唱、联唱等。说唱音乐是指曲艺音乐而言，包括单弦、大鼓、清音、评弹、数来宝、琴书、二人转、道情、渔鼓等。

戏曲音乐指京剧、豫剧、越剧、花鼓戏、采茶戏、黄梅戏、评剧、汉剧，以及其它的地方戏的音乐。

歌剧音乐也是一种戏曲音乐，但不象戏曲音乐那样有固定的程式和传统的唱腔。歌剧音乐是作曲家使用民族音调和富有时代色彩的音乐语言创作的戏剧音乐。

器乐

器乐作品可分成独奏曲、重奏曲和合奏曲。

独奏曲范围很广。几乎各种乐器都有独奏曲。的二胡、琵琶、板胡、笛、箫、葫芦丝、唢呐、扬琴、笙、古琴、筝、柳琴、木琴等，都不乏的独典曲。西洋乐器虽亦如此，但举世闻名的还是以小提琴、钢琴、吉他、电子琴等乐器的独奏曲为最多。

重奏曲在民间不太多见。但在欧洲，弦乐四重奏、木管五重奏等却有很多作品间世，并至今在世界各地流传。

合奏曲是指多种乐器演奏同一乐曲作品。在合奏曲中，各个乐器既充分发挥各自的性能和特长，又按一定的和声规律相互协调配合。在的民族器乐合奏曲中，江南丝竹和广东音乐占了很重。民族管弦乐曲则多为作曲家改编或创作的。民族吹打乐在我国的合奏曲中亦处不可忽视的地位。用西洋的铜管乐器、木管乐器、弦乐器及打击乐配合演奏的乐曲称为管弦乐。管弦乐曲在十七世纪的欧洲有了显著的进步，当时的体裁包括组曲、序曲、赋格曲、幻想曲、随想曲、狂想曲、协奏曲，以及对曲式有较严格要求的交响曲、交响诗。

按旋律风格

古典音乐

1、以超时代的普遍性、永恒性的艺术价值和音乐艺术业绩为标准，将那些能作为同时代，后代的，具有具有艺术价值的音乐统称为“古典音乐”。根据这一标准，古典音乐又被称为“严肃音乐”或“艺术音乐”，用以区分通俗音乐（流行音乐）。

2、指浪漫派以前的音乐。

3、特指1750～1820年左右的古典乐派时期。

流行音乐

流行音乐（pop music）是根据英语popular music翻译过来的。按照汉语词语表面去理解，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有“大众音乐”之称。但是，这样的界定有可能使那些本不属于流行音乐的音乐如《歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等，仅仅因为它们也在群众中广泛流传而都可被划归为流行音乐。

狭义地讲，所谓民族音乐就是祖祖辈辈生活、繁衍在这片土地上的各民族，从古到今在悠久历史文化传统上创造的具有民族特色，能体现民族文化和民族精神的音乐。而广义上，音乐是泛指世界上具有五声调式特征的音乐。

的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式。中华民族在几千年的文明中，创造了大量的民族音乐文化，形成了有着深刻内涵和丰富内容的民族音乐体系。这一体系在世界音乐中占有重要的地位。我们要认识音乐，不能仅仅会唱一些歌曲，听几段传统乐曲，还必须从民族的、历史的、地域的角度去考察音乐，了解音乐，从而真正理解音乐的内涵，了解它在世界音乐体系中的地位和历史价值。民族音乐分为：民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐和民间戏曲音乐。

4基本要素编辑

音乐基本要素：音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，例如：曲调，节奏，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体，音色等。构成音乐家的形式要素，就是音乐的表现手段。音乐的最基本要素是旋律和节奏。

1、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。

4、力度：音乐中音的强弱程度。

5、速度：音乐进行的快慢。

6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。

7、曲式：音乐的横向组织结构。

8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。（包括纵向结合和横向结合关系）。

9、音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等。乐器音色的区别更是多种多样。在音乐中，有时只用单一音色，有时又使用混合音色。

5记谱方法编辑

在几千年的音乐文化发展史上，曾经产生过许多种记谱方式，如减字谱、律吕字谱、宫商字谱、工尺谱等，人们用它来记录、保存和传播转瞬即逝的音乐。但是，由于这些记谱法的复杂、繁琐和不，所以除了减字谱还在古琴记谱中使用、工尺谱在民间还有些老艺人在使用外，其他的几种记谱方式已经逐渐的被人们遗忘了。

简谱又名数字谱，它用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级，休止以0来表示，通过在数字的上面或下面加点表示高八度或低八度；在数字的后面或下面加短横线表示时值的长短，是一种简捷、直观的记谱法。

简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时由法国会教士苏艾蒂加以改进后用来教唱教会歌曲。18世纪中叶，的法国思想家、文学家卢梭再将它加以改进，并编人他的《音乐辞典》之中。19世纪，经过加兰、帕里斯和谢韦三人的继续改进和推广，才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加—帕—谢氏记谱法”。但由于这种记谱法不方便于记录多声部的、结构复杂的音乐，因此简谱在欧洲几乎从未普及过。

简谱在20世纪初，于学堂乐歌时期经日本传入我国，经过早期音乐教育人士的大力推广及30年代抗战救亡歌咏运动的开展，在我国迅速普及，成为国内音乐教育、表演、传播的主要记谱方式。

简谱得以在广泛普及，还有一个原因，就是简谱的记谱法与流行在民间的一种文字谱—工尺谱相当接近。如工尺谱是用“上尺工凡六五乙”几个字和附在字左边的不同的偏旁来表示音的高低的，而简谱则是用七个数和附在数上面或下面的圆点来表示音的高低工尺谱是用附在字右边的板眼符号来表示音的长短，而简谱则是用附在数右面或下面的短横线来表示音的长短。简谱与工尺谱如此相近，简谱记录音的高低长短的方法又比工尺谱更简便、更，因此人十分容易接受简谱。就世界范围而言，是把简谱吸收的、又将其发扬光大的。世界上没有哪一个像这样，简谱得到如此普及。

简谱有着较简单易学、便于记写等2、间奏的主体部分。这个部分通常引入歌曲的核心曲调，如：段一句或新材料。多种优点，我国的许多音乐家在创作乐曲时，记录最初的创作乐思，多习惯使用书写方便的简谱。聂耳创作《义勇军进行曲》、冼星海创作《黄河大合唱》时，他们的初稿也都是用简谱来记写的。这使它在有着比五线谱更为众多的使用者，对于推动和普及群众性的音乐文化活动起着重要的作用。

音乐就是无聊时可以找点乐子五线谱

五线谱是今天世界上使用最广泛的记谱方法，它用音符的符头在五条平行横线上位置的高低来记录乐音的高低，用音符的不同形状表示音的长短。与简谱相比较，五线谱有标示乐音音高较为直观、容纳音乐信息量大的优点，在记写音域宽广、声部众多、转调频繁的大型乐曲时，五线谱比简谱更有优势，因此，它广泛应用于专业音乐领域。

五线谱的前身可追溯到欧洲中世纪的纽姆记谱法及有量记谱法。五线谱就是在前两种记谱法的基础上发展起来的，到17世纪逐步趋于完善，18世纪开始定型而沿用至今。五线谱是与西方多元性思维的文化背景相适应，在记录西洋器乐、交响乐等和声性多线条音乐思维的作品方面具有无可替代的优越性，一直是西方音乐作品记载的主要书面形式。

五线谱这种记录音乐的方法于17世纪中叶传入。最初只是用于记录和传播堂中演唱的赞美上帝的歌和圣咏。19世纪末随西方传教士的传教及新学的兴办而使五线谱在的使用有所推广。20世纪初，由于萧友梅等国人对西洋音乐理论、作曲技法以及西洋乐器演奏的系统学习、传播和使用而确立了五线谱在专业音乐领域中的地位。如今五线谱在专业音乐家的音乐创作、专业音乐团体的演奏演唱、专业音乐院校的音乐教学，以至广大琴童对钢琴、小提琴等乐器的学习中，都起着非常重要的作用。在我国，五线谱的推广能够提高人们的演奏、演唱、欣赏水平，对于普及高雅音乐文化与促进中外音乐文化交流等都具有重要意义。

音乐不是东西，是一种人世间的天籁之音，也是一种魔音，它随着华夏的文化传承了五千多年，它有衰及盛，有粗到精走到了今天

舞蹈和音乐的关系是什么?

得到了启发.

舞蹈从一产生起便和音乐结成了最亲密的友谊，舞蹈离不开音乐，音乐在舞蹈艺术中占有非常重要的位置。无论是从外国或的舞蹈艺术发展的历史来看，舞蹈艺术中舞蹈本身的进展和音乐的进展紧密联系。在舞蹈艺术总的概念中，音乐成为其不可分割的一个重要组成部分在我国古代就有诗、舞、乐一体以及 “舞者，乐之容也”的论断，春秋时期音乐与舞蹈统称“乐舞”，在现代既有“音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈只是音乐的回声”的说法， 也有认为“舞蹈是一切艺术的基础”、“舞蹈是艺术的祖先”等观点。从起源来看，舞蹈应早于音乐，而音乐自从舞蹈中产生之后便和舞蹈结成了最亲密的友谊，成为其不可分割的灵魂。它们像是血肉相连的分不开的伙伴，相互配合，共同编织出美妙的艺术花朵。本文拟从以下几个方面对舞蹈与音乐加以阐述:

2、同音反复式。在乐段内的结构之间用同音反复作为间奏的一种奏法。

望你参考并采纳。

跳舞有音乐才有生气，如果跳舞没音乐，特别是街舞，你会感觉是像再抽筋。跳舞有音乐是为了卡音乐那个King，卡那个点。 所以跳舞必须有音乐的配合！音乐是以声音为媒介，而舞蹈是以动作为媒介，两者都需要在一段特定的时空里，由表演者实时地向观者进行展示。

音乐是舞蹈的精神内核,舞蹈是音乐的外在表现,相辅相墨丘利（Mercury）是希腊神话中诸神的使神.有一天他在尼罗河畔散步,无意中踩到一个东西,成、密不可分。

如同意，望采纳~~

有一句话说：“音乐是舞蹈的灵魂”

舞步与音乐旋律,节奏,韵味美妙的结合,使协调能力增强

节奏和情感

音乐有几部分构成？（如前奏，间奏）

曲：按照一个整体对所有上述提到的声音乐调律段进行整体的组织。

一首歌曲作品即兴伴奏的完整与否，不仅在于它声乐部分的伴奏编配与弹奏，还要靠歌曲前奏的、间奏的过渡和尾声的结束，才能完整准确地表现歌曲的内容与情感。因此，它们是歌曲伴奏的重要组成部分。

一、前奏

前奏是指一首歌曲开始之前，提前预示歌曲的主题思想，感情表达或描绘意境，渲染气氛，演唱者进入情景之中，提示演唱者的情绪、速度、音准、调性、节奏、力度等，前奏带给我们一个具体的音乐形象。

（一）前奏的作用

1、技术方面

在歌曲演唱之前，前奏给演唱者在音高，节奏，节拍、速度，力度，调式，调性等反面必要的提示，让演唱者在情绪，呼吸等方面有所准备，使歌曲可进入得更加规范准确，清楚。

通过前奏，可使演唱者和听众共同进入歌曲所需要的特定环境，在音乐形象方面可提示思想感情的酝酿，特定意境的描绘，情绪气氛的渲染做好准备。前奏带给我们一个具体的音乐形象。

（二）前奏的配弹方法

1、以歌曲的一句作为前奏。

2、综合歌曲句与一句的旋律特点，这种前奏具有较强的概括力。

3、不带任何旋律特点，以伴奏中的典型节奏或典型伴奏音型直接导入。

（三）前奏的种类

1、旋律式。指歌曲的引入部分由旋律构成。

2、音阶式。指歌曲的引入部分由音阶构成。

3、分解式。指歌曲的引入部分由分解构成。

4、长音式。指歌曲的引入部分由长音构成。

5、属七式。指歌曲的引入部分由各种类型的属七构成。这样利用属七不稳定与不协和的效果增加其对主的倾向与动力，这一的解决音正是歌曲的开始，因而很有效果。

6、震音式。指歌曲的引入由震音构成。这种方法常应用在宽广辽阔和较自由的前奏中。由于震音对节奏感的削弱，增强了平稳的背景特点。

7、同音反复式。指歌曲的引入由同音反复构成。这种方法在不同速度和力度中有着不同的效果。

8、节奏音型式。指歌曲的引入由节奏构成。实际上这种引入只是伴奏音型在歌曲演唱之前的弹奏，并无其他装饰。这种方法在即兴伴奏中经常使用，而且效果很好。其特点是通过几个不断反复的音型，把速度、力度、情绪及演唱者与听众的注意力都有效地调动起来。

9、休止式。指歌曲的引入由休止符构成。这种引入比长音更安静。

10、综合式。指由几种不同方式的组合所构成的引入部分。这种组合是变化无穷的。

以上这些都有一个共同特点就是在引入歌曲时，前奏都应回到歌曲演唱的音区上来，或带到歌曲所需要的音区上去。

前奏的和声运用要尽量简洁、清晰，并且能够确定调性，既可以是开放性的也可以是收拢性的。

音乐是抽象艺术，是反映人类现实生活情感的一种艺术。二、间奏

间奏指在歌曲的乐段或乐句之间所弹奏的，具有承前启后的桥梁作用和对音乐发展起贯穿作用。同时，间奏也为演唱者提供必要的提示（如：转调）和歇息的机会。

（一）间奏的作用

1、技术方面

在歌曲的进行当中，在速度，力度，音高，节奏，节拍、调式、调性及旋律的连接与转换过程中，给演唱者必要的提示，同时也是音乐发展的有机组成部分。通过间奏的弹奏，使各个段落音乐片段连接成为一个整体。

2、艺术方面

对歌曲的音乐形象，思想感情的衔接、发展、过渡与转换起着重要的作用，特别是对音乐内容的补充和音乐结构的完善起着至关重要的作用。

（二）间奏的三个组成部分

1、间奏的引入部分。这个部分主要是突出音乐背景，承接前面的乐句，同时也有情绪变化，色彩上也要形成对比。

3、间奏的连接部分。这个部分承担着桥梁的作用，常常以各种不同的伴奏织体、旋律变化来综合运用，连接部分的时值较短。

间奏的和声编配与前奏基本上是相同的，它的着重点是体现在情绪的变化和调性转换的对比，和声应随之变化，节奏、速度也随情绪的变化而变化。

（三）乐段内部间奏的弹法

间奏与前奏的不同在于：前奏只注意与其后部的连接关系，而间奏则要考虑前后的关系。因此，乐段之内间奏的弹奏形式与前奏的内容有很多相似之处，而乐段之间的间奏则与前奏的规模不多，就更有共同之处。

乐段内部间奏弹法包括以下几种类型：

1、音型式。这种间奏是最简单的一种，它无需再加花样即可完成。

3、音阶式。指间奏用音阶的奏法将两个部分连接起来。这种音阶的形式和奏法较为多样，如在音区、力度、奏法等方面的别，使间奏表现出不同的效果与音乐形象。

4、旋律式。旋律的模仿可分为严格模仿和自由模仿两种。前者是用歌曲的旋律片段作为间奏的素材，而后者要进行变化与发展。它们的共同特点是使歌曲的风格统一，音乐语言集中；不足之处在于不够灵活，适应性较。

5、对比旋律式。是通过对歌曲旋律的发展与不同节奏以及奏法、力度等方面的对比所构成的间奏形式。这种间奏的音乐材料大都来自歌曲内部，只不过通过变形和巧妙的加工而面目一新罢了。

6、装饰与综合式。指构成间奏的材料较灵活多样，可以用各种手段进行变化与综合来构成。

（四）乐段外部间奏的弹法

两个乐段之间的间奏通常在对比较为明显和强烈的结构之间，起到不可缺少的重要作用。如：节奏、节拍、速度、力度的对比，调式、调性的转换和音乐形象内容发生的变化等，都起到了过度、转换、变化与对比等作用。它的篇幅长短不一，有的只有几个音，有的则具有和前奏一样的规模，当然也有两乐段之间不用间奏的情况。

1、乐段外部间奏的弹法包括以下种类：

2、节奏与节拍进行转换的间奏

3、调式与调性进行过度的间奏

4、力度与情绪进行变化的间奏

三、尾奏

伴奏的尾声是通过音乐对歌曲的终止进行补充、加强，更进一步抒发作品的感情，让整首歌曲的主题、内容表达更加充分、更加完美。可以是灿烂辉煌，也可以是耐人寻味，根据不同的风格特点可以编配不同的尾声。

（一）尾奏的作用

尾奏是歌曲旋律结束前和结束后，用钢琴弹奏的旋律或音型。尾奏可以进一步抒发歌曲的思想感情，可以使音乐效果得到更充分的发挥和巩固。

1、技术方面

2、艺术方面

使歌曲主题更加突出、集中并升华，以达到更加深刻而高远的境界。同时使歌曲作品本身及演唱者与听众共同进入歌曲的内容中去，让乐思伴随尾声的进行而推向一往无前，或逐渐平息，余音饶梁。

（二）尾声的种类：

1、旋律性补充。为了满足情绪的需要，在整首歌曲结束之后，将歌曲中的核心音调加以变化，再重复一次。

2、和声性补充。在整首歌曲结束后，在一个旋律的长音上，以和声的形式来参考资料来源：加强色彩和气氛。

尾声的具体奏法与形式：在歌曲结束音上的尾声。这种尾声的奏法与材料经常用：式的尾声；音阶式的尾声；音型式的尾声；震音式的尾声；分解与琶音式的尾声；旋律式的尾声；综合式的尾声

音乐爱好者必备

音乐教育与儿童发展关系主要体现在哪些方面

因此，音乐作品中所表现的思想情感，不是单纯的听觉感受，而是整体的感受。同样，人们在欣赏音乐的时候，虽然主要是通过听觉的渠道，接受的是听觉的，但由于通感的作用，也可能引起视觉意象，产生丰富生动的联想和想象，进而引起强烈的感情音乐对人的作用不可与一顿饭对人的作用相比。音乐是用旋律书写的作品，表达作者的欢乐、喜悦、彷徨、忧愁、愤怒、、沧桑、坚强、希望的情绪。与文字作品不同，音乐具有模糊性和不确定性。反应，体验到音乐家在作品中表达的思想感情和情境，获得美感，并为之感动。

首先音乐是感情思想的一种表达形式，能够很好很形象生动逼真的表达某些情感；

音乐的教育对于儿童的各方面发展尤其是思想道德教育培养音乐就是生活，生活就是音乐！也就是音乐的产生是于日常生活有一定关系的！我是一名校作曲专业的学生！孩子的高尚情方面会起到很大的作用；

在孩子的不同发展阶段可以给孩子听一些不同的有积极向上的阳光的音乐可以使孩子的身心得到更好的教育与发展；

好的音乐就是一名好的教师，能够激发孩子的灵感，使得孩子养成良好的习惯；

美好的积极向上的音乐还可以孩子树立积极向上的科学的价值观人生观和世界观；

所以建议在孩子生长的不同时期危害挑选不同的好的适合的音乐进行学习听听；

音乐的12个表现要素分别是什么？

关于人类音乐的起源可以追溯到非常古老的洪荒时代.在人类还没有产生语言时,就已经

音乐的12个表现要素分别是：音的高低，音的长短，音的强弱，曲调，节奏，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体，音色。

简谱

一、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。

二、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。

三、和声：和声包括“”及“和声进行”。

五、速度：音乐进行的快慢。

六、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。

七、曲式：音乐的横向组织结构。

八、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。

九、音色：音色有人声音色和乐器音色之分。

声乐作品又可根据其形式、风格的不同分成歌曲、说唱音乐、戏曲音乐、歌剧等不同体裁。歌曲是一种小型的音乐体裁，包括民歌、艺术歌曲、通俗歌曲、儿童歌曲等。

从形式上可分成独唱、对唱、合唱、齐唱、联唱等。说唱音乐是指曲艺音乐而言，包括单弦、大鼓2、艺术方面：、清音、评弹、数来宝、琴书、二人转、道情、渔鼓等。

戏曲音乐指京剧、豫剧、越剧、花鼓戏、采茶戏、黄梅戏、评剧、汉剧，以及其它的地方戏的音乐。歌剧音乐也是一种戏曲音乐，但不象戏曲音乐那样有固定的程式和传统的唱腔。歌剧音乐是作曲家使用民族音调和富有时代色彩的音乐语言创作的戏剧音乐。

音乐与数学之间的关系是怎样体现的？二者又是如何相互影响的

音乐的艺术分“曲式”一词还将包括如歌剧（opera）、神剧（oratorio）、弥撒（mass）和清唱剧（cantata）等声乐艺术形式。类

古希腊时期关于音乐和比例之间的关系，题主自己也在问题描述中说到了，我就不说了。其实早期的古希腊包括中世纪时期的作曲家和理论家，都是被当做科学家来看待的。早期的音乐大概有两个大的分类，"music as theory"和"music as pract“，前者从纯粹的理论方面来研究音乐，后者是从表演方法的角度来研究。前者的研究，很多都是和数学重合的。

乐本篇的这段描述高度概括了音乐声音和表现之间的关系。同时古代《乐记》应看着是我们音乐美学观点的精髓。

另外，从很多音乐创作技法和观念上来说，也是和数学有紧密联系的。比如早期音乐中时值最开始是以三等分来划分，后来才发展出两等分；以及各个模仿声部之间的比例的确定（早起音乐是没有我们今天乐谱上的小节线的，所以，音与音之间的时值比例在那时是一个更本质的音乐理论和创作元素）；早期对八度、五度的运用，到逐渐加入三度和六度的过程，以及一直避免三全音的观念；音乐放在黄金分割点上的技法；另外，一个实际的音乐作品的例子是Dufay的Nuper rosarum flores. 这部献给佛罗伦萨大教堂的委约作品，其音乐结构中包含了各种影射教堂建筑结构的数学比例，比如：talea的6：4：2：3的比例就是教堂圆顶的ne, transept, apse和高度（实在不知道怎么翻译-_-）的比例等等。

音乐的要素是指什么？

情感艺术

音乐基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，例如：节奏，曲调，和声，以及力度，速度，调式，曲式，织体等。构成音乐的形式要素，就是音乐的表现手段呀，而音乐的最基本要素是节奏和旋律。

2.声音是由物体的振动产生。音高(高低)由物体振动的频率决定，音量(强弱)由物体振动的幅度决定幅度越大→强 幅度越小→弱音值(长短)由物体振动的时间决定时间越长→长 时间越短→短，音色由物体的材质和结构决定。3.节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。民族音乐相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。和声：和声包括“”及“和声进行”。通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。力度：音乐中音的强弱程度。速度：音乐进行的快慢。

调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心巴洛克时期发展成熟的各种复调手法，从某种程度上来说也就是数字的游戏。比如对主题的倒影，逆行和倒影逆行。（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。曲式：音乐的横向组织结构。织体：多声音乐作品中各声部的组合形态（包括纵向结合和横向结合关系）。音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等

音乐的基本要素有：曲调、节奏、节拍、力度、音区、调性等。1、曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。2、节奏指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。

3、节拍速度一个衡量节奏的单位，在音乐中，有一定强弱分别的一系列拍子在每隔一定时间重复出现。4、力度和声就是声音强弱的程度、轻重的程度、大小的程度。任何乐曲中，实际上或多或少、或显或隐，都会有力度变化。

5、音区调式与调性音乐领域术语，是音域的一部分。高音、中音、低音，统称为音区。调音台中调整音区的地方叫均衡器。

1、节奏：音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是用来表示音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。2、曲调：高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调，用于表现旋律。曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。3、和声：和声包括“”及“和声进行”。的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。4、力度：用来表示音乐中音的强弱程度。5、速度：用来表示音乐进行的快慢。6、调式：用来表示音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。7、曲式：用来表示音乐的横向组织结构。8、织体：用来表示多声音乐作品中各声部的组合形态。9、音色：用来表示的频率表现在波形方面总是有与众不同的特性。扩展资料

音乐基本要素是构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成 音乐的常用的“形式要素”相关术语：

1.织体：是音乐的结构形式之一。这个词的含义比较宽泛，在音乐作品中，它常常会涉及两个方面：一是在"时间"上的形式，一是在"空间"上的形式。2.曲式：就是乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性，而找出具有共性的格式便是曲式。参考资料来源：